Ayer nos llegó, con bastante retraso, como suele ser habitual, el estreno de ‘Rompecabezas (Puzzle)’, la película argentina de Natalia Smirnoff, protagonizada por María Onetto, que nos cuenta cómo una mujer de cincuenta años halla en su afición a los puzzles la liberación de una anodina vida entregada a los demás.

Siempre me han interesado las narraciones de catarsis femeninas, no solo por el componente de anti-machismo que puedan contener, sino principalmente porque me gusta cualquier historia que implique una evolución del personaje principal, sea del sexo que sea, cuando este comienza con una vida desperdiciada y descubre la felicidad. El hecho de que se encuentre ese camino a través de algo insospechado, igualmente me resulta de sumo interés. Por ese motivo, como expresé aquí, la premisa de ‘Rompecabezas (Puzzle)’ me sonó bien desde el inicio y me dispuse a verla con total entusiasmo.

No hay duda sobre ese punto de partida, es decir, la película no tiene el problema de resultar confusa en cuanto a sus intenciones, pues plantea algo obvio. Sin embargo, sí encontré que se quedaba corta a la hora de ofrecer —de forma emocional, pues racionalmente se ha captado de antemano— su mensaje.

El motivo de ello lo supongo en la falta de conflicto inicial. Para entender la necesidad de respiros de esta mujer, sería necesario ver que su vida previa resulta insufrible y que sus posibilidades de liberarse son nulas, por causa de tener un marido incomprensivo o unos hijos egoístas. Pero nada de eso está planteado así: la familia es positiva y la apoya en todo momento —como mucho, van un poco a su bola, pero ¿en qué núcleo familiar no se da ese comportamiento? — Con esto, opino que la consigna del film y su sustento narrativo se quedan en nada.

Lo dicho anteriormente se podría apreciar de modo positivo, ya que ese tímido hincapié en una situación asfixiante nos aleja de esos dramas cargados de una exagerada densidad. Soy la primera en apreciar la sutileza, cuando de verdad la hay. Aquí la directora no tiene pudor a la hora de incluir subrayados y de ocuparse muy mucho de que nuestra atención vaya a los lugares necesarios. Valgan como ejemplo las imágenes que muestras que «quedó escrito feliz en la tarta», que además viene recalcado con la intervención de uno de los personajes, por si no nos habíamos dado cuenta; o el momento de hacer el puzzle con los añicos del plato roto. La música que acompaña las primeras composiciones del rompecabezas de la protagonista, a solas en su casa, todavía sirve más al propósito de la autora acentuar la carga emocional de esos instantes.

María Onetto es la protagonista y sobre ella recae la responsabilidad total de hacernos sentir todas las cosas que he ido mencionando. Encuentro correcta a la intérprete, simpática y cercana en la mayoría de los momentos. Sin embargo, me falta algo más de fuerza en su carácter, algo más de implicación, de sentimiento… pasa con demasiada indiferencia por estas vivencias, lo acrecenta esa falta de implicación mencionada.

Un final que apenas resuelve

Decía al arranque que me gustan las películas de catarsis y evolución de personajes. Por ese motivo, que el final de ‘Rompecabezas (Puzzle)’ sea tan insignificante, me deja con una sensación de frustración. (Spoiler) Debemos extraer que, a pesar de no viajar a Alemania y de no continuar con su afición y su compañero de composición de puzzles, ella ya ha sentido la liberación que necesitaba (fin del spoiler). De acuerdo, no acaba repentinamente y sin resolver el planteamiento. Pero el cambio en la actitud o en las circunstancias de la protagonista es tan mínimo que reduce mis posibilidades de sentirme satisfecha con lo visto.

Comprendo que existan películas cuyas intenciones sean contar una historia pequeña, sencilla… no hacer que se tambaleen los cimientos de la existencia humana ni cambiar el mundo. También tienen cabida en las carteleras las películas amenas y poco rompedoras. Pero creo que incluso éstas deben tener algo más de contenido.

Conclusión

‘Rompecabezas (Puzzle)’ es una bonita película. Sin embargo, a mí personalmente no logró emocionarme ni entusiasmarme. No significa que no haya entrado en la ficción, que no haya compartido los sentimientos que la autora trataba de imprimirle, que no haya comprendido las intenciones. Lo entiendo todo y lo busco, mientras la veo. Pero esa conciencia racional de lo que Smirnoff ha querido hacer no se acompaña de un sentir emocional de todas esas intenciones.No obstante, no puedo afirmar categóricamente que la película no funcione, ya que existen quienes sí han percibido todo tal como está pretendido, así que supongo que se debe todo a percepciones muy personales.

NOTA FINAL: 2

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El 2007 fue uno de los mejores años para el cine español en cuanto a cifras y aceptación del público se refiere.

Económicamente, se podría decir que nunca le había ido mejor, y eso fue gracias básicamente a dos películas que encandilaron a los espectadores: ‘REC’, la propuesta zombie de Jaume Balagueró y Paco Plaza; y ‘El orfanato’, una cinta de terror fantasmal apadrinada por el mexicano Guillermo Del Toro (quién ya dejó aquí su impronta personal con ‘El Laberinto del Fauno’).

Las dos contaron con buenas campañas publicitarias, algo indispensable para hacerse notar y captar la atención de un público más bien desapasionado por el cine patrio (razones no les falta), y terminaron ganándose el favor no sólo de la crítica sino también del de todos -bueno, casi todos- aquellos que acudieron a las salas.

Y es que cuando se hace el cine que la gente quiere ver, ésta responde de forma entusiasta, especialmente si la calidad acompaña el producto (cosa que rara vez ocurre).

El género de terror, que tan marginado había estado durante años en nuestra industria (salvo contadas excepciones que ni tan siquiera valdría le pena mencionar…. ejem… Fantastic Factory entre otras) fue precisamente el que salvó los platos de aquél año, y como recompensa, ambas películas obtuvieron su legítimo -y puede que insuficiente- reconocimiento en los premios Goya.

Lo cierto es que es difícil llevarse este tipo de agradables sorpresas con nuestro cine.

Poquito a poco está cambiando la industria, apostando por otros géneros y otro tipo de historias (aunque algunas sean deudoras del cine estadounidense). Pero aún hace falta mucho más esfuerzo y apoyo, sobre todo para que muchos de esos directores noveles que vienen pisando fuerte y que seguramente tiene mucho que decir, no acaben buscando sus primeras oportunidades fuera del país.

De todas formas, cada año hay un par o tres de películas que destacan muy por encima de las demás, bien sea por la publicidad que les precede, por sus responsables (el director y/o los actores) o por lo atractivo de sus argumentos.

Y no es de extrañar que este 2010 una de ellas sea ‘Los ojos de Julia’, que al igual que ‘El orfanato’, viene de la mano de la productora ‘Rodar y Rodar’ y del propio Del Toro. Y nuevamente, con Belén Rueda encabezado el reparto.

Julia (Belén Rueda) recibe la noticia de la inesperada muerte de su hermana Sara. Todos los hechos apuntan a que se trata claramente de un suicidio, pero Julia es incapaz de aceptar esta versión y empieza a investigar las circunstancias que rodeaban la vida de su hermana, a la que no visitaba desde hacía unos meses.

Algunos inquietantes indicios le hacen sospechar que algo extraño se oculta tras su muerte, por lo que tratará de seguir los últimos pasos de Sara en busca de la verdad. A la misteriosa amenaza que, al parecer, tan sólo ella puede percibir, Julia tendrá que hacer frente también a una trágica adversidad: una enfermedad genética degenerativa que, al igual que a su hermana, le provoca la pérdida progresiva de la visión.

Durante este tiempo, ha podido mantenerse alejada de los ataques de ceguera, pero una serie de extraños acontecimientos cada vez más agresivos hará que estos virulentos ataques amenacen de nuevo con sumergirla en un mundo de oscuridad. Un mundo en el que, además, ahora acecha una terrorífica presencia.

Tras debutar en el 2004 con el film ‘El habitante incierto’ (que le valió una nominación en los Goya a Mejor Director Novel), el catalán Guillem Morales reincide de nuevo en el thriller de terror con ‘Los ojos de Julia’, película que ha co-escrito -en base a una idea propia- junto a Oriol Paulo.

La historia en sí se apoya sobre dos pilares: uno, a nivel de suspense, es la investigación que lleva a cabo Julia acerca de la trágica muerte de su hermana; el otro, a nivel dramático, es el desafío que la protagonista afronta ante su inminente ceguera. Así pues, analicemos ambos frentes.

Cabe destacar que sin necesidad de recurrir a una ambientación gótica o tétrica en sí misma, como ocurría con el caserón de ‘El orfanato’, se consigue un ambiente bastante siniestro, y cada escenario, espacio o recoveco debidamente iluminado otorga al film ese halo de misterio que tan bien la sienta a la historia.

Por otro lado, hay un buen trabajo artístico detrás, tanto en las bien aprovechadas localizaciones como en el acertado trabajo de fotografía, por lo que aquí el aspecto que luce la película es de primera, y eso ayuda mucho a meterse en la historia.

La trama se desarrolla como un rompecabezas cuyas piezas Julia deberá ir encajando para poder descubrir la verdad que se oculta tras la muerte de su hermana.

Lo mejor es que el espectador nunca está por delante de ella, sino que asiste a los acontecimientos y recibe la información al mismo tiempo que la protagonista. Y eso hace que el suspense sea constante, y que nos preguntemos cuál es el significado de cada descubrimiento, de cada lugar al que fue Sara y de cada objeto que parece llevarnos hacia la amenaza que acabó con su vida.

Pero el director no se conforma sólo con eso sino que también vincula al espectador desde la propia perspectiva de Julia, en relación a lo que ésta ve y deja de ver.

Dicho de otro modo, hay secuencias en las que los ojos de Julia son nuestros ojos, es decir, que la cámara ejerce en propia persona, y los niveles de ceguera también nos afectan a nosotros. Este recurso cobra mayor interés y fuerza cuando implica la participación de una serie de personajes clave para resolver el misterio.

Podría ser más específico, pero ya entraría en el terreno del spoiler, por lo que tan sólo añadiré que el esconder el rostro de ciertos personajes es todo un acierto para seguir jugando con la identidad de la amenaza, sembrando ciertas dudas y haciéndonos sospechar de unos y otros, además de hacernos partícipes de la angustia de la propia protagonista.

Lo cierto es que aunque los más experimentados no vamos a caer en muchas de las ‘trampas’ o caminos a seguir que los guionistas nos preparan, hay que reconocer que algunos giros de guión son acertados para seguir jugando al despiste, y aunque no todos sean sorprendentes e inesperados (algunos sí lo son), por lo menos parecen encajar sin problemas en la trama.

Respecto al tono dramático que subyace bajo el entramado de mero suspense, supone todo un aliciente extra que, de algún modo, enriquece un poco más la historia, ya que otorga cierto calado emocional a los personajes principales, interés en sus relaciones y, sobre todo, presencia a sus motivaciones. Incluso esos pequeños detalles que profundizan un poco más en el carácter de éstos, son los que nos ayudan a descartar sospechosos a medida que avanza el metraje.

Julia es una mujer de carácter y de fuerte resistencia. Tanto el modo en el que afronta su investigación como el hecho de no doblegarse ante su perseguidor justo cuando más daño puede hacerle, es lo que hace de ella un personaje interesante y con entidad, permitiendo que el espectador se implique de lleno en su tragedia. La catarsis funciona porque se han enfocado bien las distintas capas y fases que conforman a la víctima de turno de este tipo de películas.

No vamos a negar que se caen en algunos clichés y recursos habituales del género, pero por fortuna, estos funcionan como si fueran novedosos gracias a la buena ejecución de Morales tras la cámara (escenas como la del cuchillo y el ojo, sin trucajes ni efectos especiales, le ponen a uno en máxima tensión) , a la acertada construcción del personaje principal y su antagonista, y a la notable labor del reparto (exceptuando a la ‘niña’, cuya voz/interpretación me chirría sobremanera).

Belén Rueda es una gran baza, ya que aunque está bien secundada por actores como Lluís Homar o Francesc Orella, es en ella en quién recae de nuevo todo el peso de la historia.
Belén se curtió en la pequeña pantalla con conocidas series de televisión, pero desde que en 2004 debutó en el cine con ‘Mar adentro’ ha ido creciendo como actriz, y eso queda patente con cada película.

Quizás porque se enmarcan en un mismo género, su papel aquí guarde no pocas similitudes con la Laura de ‘El orfanato’. Sin embargo, aquí el mal al que debe hacer frente es más tangible y real; y lo es, además, por partida doble (asesino y ceguera).

Este tipo de enfrentamiento, obviamente, desencadenará el habitual tour de force final.Precisamente este tramo es uno de los mejores de la cinta, aunque quizás peque de alargarse un poco más de lo necesario.

Aún así, tanto director como actores mantienen el tipo y resuelven con oficio la difícil papeleta de concluir lo que bien han empezado. Y es que no son pocas las veces que un mal final puede estropearte una película. Por suerte y en mi opinión, no sería el caso.

‘Los ojos de Julia’ puede recordarnos a otras cintas o incluso podríamos tildarla de ‘americanada a la española’, pero el caso es que su desarrollo -increscendo- va a acorde con sus pretensiones, y finalmente el resultado es satisfactorio para el que guste de este tipo de historias.

En el fondo, no deja de ser la típica película de psicópata asesino, sólo que ciertos aspectos -guión, dirección, actriz principal…- la colocan por encima de la media genérica. Y si ya nos ponemos a buscar referentes dentro de nuestro cine, pocas se me ocurren que pueden mirarle a los ojos (y nunca mejor dicho).

Un joven soldado regresa de la guerra al Madrid en construcción del siglo XVI. Como cientos de jóvenes, aún no tiene claro el camino que quiere seguir. Mientras lucha por sus inquietudes y ambiciones, dos mujeres se cruzan en su vida: una liberal, empresaria de éxito; la otra noble, soñadora. Junto al amor se le presenta la aventura y mientras aprende lo que de verdad significa amar, es perseguido por la justicia, encarcelado y amenazado por sicarios hasta esconderse en el puerto de Lisboa, donde se está preparando el mayor ejército naval que haya contemplado el mar.

El actor Alberto Ammann, al que vimos en la temporada pasada con la exitosa Celda 211, regresa a las pantallas cinematográficas construyendo un personaje que no termina de convencer. Y es gracias al elenco de Lope lo que le permite no hacer demasiadas aguas, o al menos no caer en el más absoluto de los olvidos. El triángulo amoroso es anodino y trata de ser forzadamente intenso. No convence. No hay mucha química.

El que busque en Lope una recreación detallada de la época, con grandes vestuarios y todo lo que implica hacer un filme de ese tipo, estará de suerte. Puesto que tal vez ese sea el único punto fuerte del filme.

En definitiva, ya estábamos acostumbrados a buenas películas españolas. Un chasco, sin duda.

Peter Jackson ha dirigido una particular obra sobre la pérdida de un ser querido en ‘The Lovely Bones’, que podría compararse, aunque a distancia, con la magnífica ‘Criaturas celestiales’ (‘Heavenly Creatures’). Esta adaptación de ‘Desde mi Cielo’, de Alice Sebold, que cuenta con la presencia de Saoirse Ronan, Rachel Weisz, Mark Wahlberg, Susan Sarandon y Stanley Tucci; se estrenará este viernes, 26 de febrero.

Me temo que muchas de las críticas negativas que ha recibido ‘The Lovely Bones’ vienen provocadas por el desconcierto que produce: porque quizá nadie se espera ver algo tan difícil de clasificar cuando se sienta a ver una película. No diré que esté libre de defectos, pero quizá éstos llaman menos la atención que la sensación general que suscita de ¿qué me han querido contar? Y no porque la idea central quede poco clara, pues es sencillo verla, a poco que nos paremos a pensar; sino por su tratamiento estético, por su mezcla de géneros y por su tono ambivalente.

Son numerosas las obras que han empleado elementos fantásticos o de ciencia ficción para relatarnos un drama en lugar de sumergirse de lleno en los géneros que parecería que deben tratar. A pesar de ello, todavía es difícil aceptar que esos ingredientes imaginativos estén al servicio de historias sobre sentimientos o únicamente destinadas a transmitir un mensaje. No necesariamente tendría que tratarse de una errónea decisión —pues podría dar pie a estudios curiosos, además de que, por supuesto, el género también es capaz de una profundización psicológica—, pero, en este caso, la combinación puede no haber sido la más acertada.

Peter Jackson

La dirección de actores es sobresaliente, así como la ambientación, el ritmo que le confiere el montaje y la realización de los planos que pertenecen al mundo real. Algunas escenas están muy logradas. Incluso el recurso de la voz en off, que muchas veces critico porque es una forma fácil de contar lo que no se sabe hacer ver, aquí está empleado con otros propósitos y consigue un interesante efecto. De su tratamiento sobre lo fantástico, aplaudo el mérito que ha tenido Jackson al no definir con claridad si la joven ejerce una influencia real sobre sus seres queridos o si todo forma parte de la imaginación. La habilidad y sutileza del neozelandés consiguen que cualquiera de las dos interpretaciones fuese válida y le corresponde al espectador decidir.

Por contrapartida, la estética que el autor elige para el cielo, aunque presenta algún hallazgo —como los pájaros verdes que pueblan el árbol cual hojas—, es excesiva y no muy acertada en la elección de los colores y la imaginería, donde parece que hubiese metido alguna mano el productor, Steven Spielberg. Otras veces he comentado lo difícil que resultaba encontrar un cineasta que representase mi forma de imaginar, pero creo que aquí Jackson no se ha acercado a la de ningún espectador. A pesar de todo, este aspecto, por muy abundante que sea, se podría considerar secundario y la película podría ser del agrado de todos, incluso con ello.

El mensaje

Lo que ya es más difícil de pasar por alto es el contenido. Nos encontramos, una vez más, ante un enorme cineasta que toma como punto de partida una obra que puede no interesar o hasta incomodar por la visión sobre el mundo que arroja.

(Los dos siguientes párrafos desvelan datos del final de la película:)

Estoy de acuerdo con aquello de seguir adelante, con no obsesionarse y con que la vida continúa —como el espectáculo—, que entiendo que supone el mensaje principal de ‘The Lovely Bones’. Sin embargo, aunque el autor ha tratado de hacer ver que lo que se obtendrá a cambio será la felicidad, podría interpretarse que se renuncia a la verdad en aras de mantener lo establecido por las convenciones: no importa que no se atrape al asesino, incluso aunque éste siga suponiendo un riesgo para otras niñas; mientras no se rompa un matrimonio, mientras otra adolescente siga con su vida, lo cual consiste en encontrar pareja y procrear a temprana edad. ¿Tan poco valor tenía la vida de la protagonista como para zanjar su desaparición a cambio de cotidianidades?

Por otro lado, me cuesta comulgar con esa noción que se transmite sobre que el karma hará justicia ante todas las maldades que se producen en nuestro mundo. Que sea errónea e ilusa no viene a cuento, pues estaríamos entrando en debates sobre creencias y, por otra parte, puede aceptarse dentro de lo fantástico. Lo que importa es que incluso cinematográficamente es criticable porque se trata de un uso literal de ese elemento, colmo de lo inverosímil, que se llama Deus Ex Machina. Quienes hayan leído y disfrutado el libro me dirán que lo de menos aquí es que las cosas encajen o no narrativamente, pues lo bonito es la poesía del momento. Y eso es cierto: cuando algo funciona a un nivel emotivo, no importa que sea tramposo. No es tanto el momento aislado lo que critico, sino lo que supone como parte de un conjunto. Lo que quiero decir es que, si al autor le parece secundario el castigo del criminal con respecto a la vida de los familiares, que lo hubiese dejado vivo. Si creía que había que acabar con él, lo podrían haber atrapado gracias a lo que ocurre en la trama principal. Pero resolver de cualquier forma lo que antes ha dejado sin atar, con la intención de que nadie quede preocupado o insatisfecho, resulta interesado.

‘The Lovely Bones’ se puede disfrutar como una historia fantástica, emotiva y bien narrada. Quizá sea conveniente no profundizar demasiado en determinados mensajes, quizá esté bien saber de antemano qué aspecto tendrá para evitar el desconcierto y quizá sea bueno contar con que los atisbos de género no van a llevar por ahí. Con una mente abierta, unas amplias miras y un espíritu soñador, puede percibirse como una agradable y original apuesta.

Vamos, ni fu ni fa

Hay ciudades que han condicionado la forma de hacer cine. El carácter de la metrópolis se cuela en las películas que transcurren en ella. Muchas décadas atrás, esa urbe fílmica por antonomasia era París, mientras hoy en día y desde hace ya un tiempo, se trata de Manhattan. Por ello, las películas ‘Paris, je t’aime’ y ‘New York, I love you’ —esta última se estrena el 16 de octubre— parecen seguir un orden lógico.

Los cortometrajes de que componen este mosaico urbano, dirigidos por Fatih Akin, Natalie Portman, Mira Nair, Yvan Attal, Joshua Marston, Shekhar Kapur, Shunji Iwai, Jiang Wen, Brett Ratner, Albert y Allen Hughes; penetran en la ciudad y aprehenden su esencia o, quizá, como decíamos en el párrafo anterior, permiten que el alma de la ciudad se filtre en ellos. Están realizados con gran actualidad estética y logran un bello resultado formal que convierte su visionado en agradable.

Juan Luis Caviaro, en su crítica sobre ‘Paris, je t’aime’, distingue unas historias de otras y nos habla de un conjunto poco cohesionado, aunque con buenas piezas. En esta nueva entrega, la visión global se ha conseguido a través de las transiciones y los paralelismos que aporta el montaje, uno de los aspectos más logrados del film, por su novedad y efectismo. Pero ‘New York, I love you’ se presta a una crítica única por otro motivo: los defectos que tienen unos segmentos, también se les pueden reprochar a otros.

Diálogos que gustan demasiado a sus guionistas, es decir, que se alargan y recrean para que suenen mucho, vampirizan la posible humanidad o profundidad de las minihistorias, que se revelan insulsas. La ciudad está ahí, claro. Pero el título del film nos habla igualmente de amor y, sin embargo, no encontramos una pista de este sentimiento. La película, por lo tanto, se contempla, pero no se vive. Las situaciones o las semblanzas de personajes podrían haber estado en alguna de esas comedietas que con tanta tranquilidad se desprecian, sin que aquí haya nada que las convierta en más valiosas.

No soy capaz de elevar uno de los cortos por encima de los demás para salvarlo o condecorarlo como el mejor —quizá el de Shunji Iwai, con Orlando Bloom y Christina Ricci— y, si bien sí podría decir cuáles me enervaron más, prefiero reservarme una opinión que condicionaría tanto a los espectadores.

Nombres de gran prestigio y atractivo llenan el elenco de ‘New York, I love you’. Sus interpretaciones son buenas, como cabría esperar en ellos. Pero nada de lo que hacen puede suplir las carencias que existen en los guiones, incluso aunque esos diálogos tan rebuscados queden casi bien proviniendo de sus bocas. Esto quiere decir que si los actores hubiesen sido de peor calidad o de menor fama, la película tendría poco en lo que aferrarse. Por mencionar sólo a algunos de ellos: Robin Wright Penn, Ethan Hawke, Anton Yelchin, Chris Cooper, Shia LaBeouf, Hayden Christensen, Andy Garcia… lo bueno de un reparto así es que seguro que cualquiera encuentra a alguno que le gusta, ya sea como intérprete o por su físico. En mi caso, se trataría de Hawke y valga como ejemplo para decir lo que ocurre con todos los actores: encarna a la perfección un personaje complicado al que dota de un gran carisma y cuyos diálogos interpreta con soltura y mucho gracejo. Pero la historia que le corresponde no se me hace creíble ni me sorprende como pretende su desenlace.

‘New York, I love you’ es un cine ameno, que trata un tema muy universal sin profundizar en conflictos o psicologías. Las firmas de sus autores y el aire externo la dotan de una cariz prestigioso que se queda en eso. Es un perfecto terrón de azúcar para paladares que aseguran no conformarse con lo más vendible, pero para los que tampoco es viable lanzarse por algo de mayor dureza o complejidad. Sus intenciones se corresponden con elevadas cintas de autor para elites privilegiadas, sin embargo, su realidad se queda muy corta en el intento por alcanzar esas pretensiones.

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En un principio no tenía pensado incluir ‘Gamer’ (Mark Neveldine, Brian Taylor, 2009) en esta sección de películas ridículas. El film es un bodrio de proporciones cósmicas, sin ningún tipo de interés artístico, sociológico o de cualquier otra índole; no hay en ella un sólo elemento salvable, es un sufrimiento de menos de hora y media que hace creer que la muerte del cine está cerca. Pero pensando un poco en ella después de su tortuoso visionado, se encuentran instantes delirantes en su loco argumento, tratado de igual forma por sus dos máximos responsables: Mark Neveldine y Brian Taylor, los mismos tipos que hinchan el pecho por haber dirigido las dos películas de la saga ‘Crank’.

Curiosamente ‘Gamer’, siendo posterior a ‘Crank: alto voltaje’, se ha estrenado antes en nuestras salas, mientras que el film protagonizado por Jason Statham aún duerme el sueño de los justos, esperando una nueva fecha de estreno, que a este paso no se producirá. Mientras rezamos por ello, nos ha tocado disfrutar de la tercera película como directores, de dos sujetos que van camino de convertirse en auténticos terroristas del séptimo arte.

El argumento de ‘Gamer’ —toma nota de originalidad, la película va sobre un videojuego, y la titulan ‘Gamer’, comiéndose el coco, sí señor— recuerda sobremanera, primero a un film reciente: ‘Death Race’, que comparte con el mismo la condición de bodrio soberano, pero sobre todo a un film de los 80 protagonizado por Arnold Schwarzenegger: ‘Perseguido’ (‘The Running Man’, Paul Michael Glasser, 1987), de la que prácticamente se puede considerar un plagio. Un condenado a muerte es usado como conejillo de indias en un videojuego de clamorosa respuesta popular. Por supuesto es inocente del delito que se le acusa, y cómo no, se convierte en la máxima estrella del juego, el cual consiste en un grupo de soldados disparando a diestro y siniestro en un campo de batalla, dichos soldados están dirigidos realmente por un jugador que los hace caminar, disparar y pelear desde el mundo exterior. Si un soldado llega a 30 batallas superadas, conseguirá el indulto.

Por supuesto, y a pesar de que la premisa recuerda sobremanera a los films mencionados, sus responsables intentan encuadrarlo todo dentro del universo de los videojuegos, ese mundo multipoblado que crece y crece, y que por momentos vive emparejado al cine, el cual se ha dejado influenciar, sobre todo estéticamente, y viceversa. Da la impresión de que en ‘Gamer’ han querido unir los dos mundos en un imposible mezcolanza, queriendo satisfacer a dos tipos de público muy distintos. Por un lado, los amantes de loas buenos videojuegos, y por el otro, los amantes del cine de acción. Muchas veces ambos coinciden, pero me temo que en este caso no ha sido así. Desconozco por completo qué habrá sentido un aficionado a los videojuegos a la hora de ver ‘Gamer’, pero desde luego los que amamos el buen cine de acción —ése que nos han servido directores como John McTiernan, James Cameron, Richard Donner o Kathryn Bigelow—, nos hemos quedado con cara de idiota, sufriendo más que el pobre protagonista del film.

Y es que el injustamente infravalorado subgénero de acción está menospreciado incluso por parte de sus propios defensores. No llega, muy señores míos, el filmar una película que nos ofrezca una ensalada mal mezclada, de hostias, persecuciones, explosiones, y efectos visuales sin parangón, no. El cine de acción necesita lo mismo que cualquier otro género, un guión mínimamente decente, y un realizador que sepa mantener el tono y enfoque de la historia, y a ser posible que ponga algo de pasión en el asunto. Porque si de algo peca ostentosamente ‘Gamer’ es de una total y absoluta falta de garra por parte de sus dos directores, que se creen que con dejar que la cámara sea manejada por un enfermo de parkinson, ya han conseguido ritmo. Por no hablar de la alarmante falta de coherencia en su historia.

Una historia que podría haber escrito mi perro —que es mucho más inteligente que algunas personas que conozco, dicho sea de paso— en una noche de descomposición. Claman al cielo los despistes del villano de la función, que tiene todo un entramado plan para hacerse con el mundo, y se olvida por completo del chaval que maneja desde su casa a Kable, el protagonista del juego. Ése quizá sea el más llamativo, aunque le sigue de cerca el hecho de que del juego se puede salir con una facilidad pasmosa —el detalle del combustible para una furgoneta es lo más forzado que se ha visto en años en este tipo de cine—, o la facilidad con la que desenmascaran al villano, cosa que podrían haber hecho mucho antes. Detalles que le restan credibilidad a lo narrado, y donde las ínfulas de denuncia hacia la sociedad, que hay en el inicio, se van desinflando de sopetón, para caer en una burda apología del ojo por ojo y diente por diente.

De lo que indudablemente puede presumir ‘Gamer’ es de contener un reparto más que decente, y desaprovechado al 100%. Gerard Butler es un actor que necesita de personajes mejor dibujados, y también cambiar de agente. Kyra Sedgwick descansa de la premiada ‘The Closer’ para hacerse cargo de un personaje más vacío que las propia película. Alison Lohman quedó medio tocada de su experiencia con Sam Raimi en ‘Arrástrame al infierno’ (‘Drag me to Hell’, 2009) y tiene cara de seguir viendo diablos por todas partes. Michael C. Hall —grandioso en ‘Six Feet Under’ y ‘Dexter‘— se esfuerza por resultar lo mejor de la película, pero su labor queda reducida a hacer literalmente el payaso, y si no, atención a cierto numerito musical en el que suena el glorioso I´ve Got You Under my Skin, interpretado por Sammy Davis Jr. De vergüenza ajena.

‘Gamer’ fracasa por completo en haber querido reunir dos mundos que, aunque beban el uno del otro, tienen sus propias reglas. Como película es un chiste, como videojuego es de los aburridos. Curiosamente no está basada en ninguno en concreto, aunque se pueden ver las referencias a muchísimos de ellos, así que esta vez no puedo decir aquello de que no hay una buena película salida de un videojuego, pero sí es evidente que los intentos de fusión entre ambos mundos no han funcionado, y tal vez deberían dejar de intentarlo. ‘Gamer’ no es cine, y tampoco lo otro.

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Lo que son las cosas. Peter Jackson sorprendió a muchos fichando al prometedor, y casi desconocido, Neill Blomkamp para dirigir la arriesgada y esperada adaptación del famoso videojuego ‘Halo’ a la gran pantalla; sin embargo, el proyecto fue finalmente cancelado (Steven Spielberg lo ha vuelto a recuperar). Jackson quedó decepcionado pero quiso seguir siendo el que le diera a Blomkamp el impulso para dirigir su primera película, y le preguntó si tenía alguna idea. De ahí surgió ‘District 9’, que ha cosechado un merecidísimo, y nada sorprendente, éxito en Estados Unidos.

Por suerte, el público español no tendrá que esperar demasiado para verla, ‘District 9’ se estrena en España el próximo viernes, día 11 de septiembre, y ya os adelanto que es una de las películas más estimulantes, inteligentes, espectaculares y entretenidas que se han hecho en los últimos años. Parece increíble que sea obra de un debutante en el cine, aunque al mismo tiempo no deja de ser lógico, viendo la manera en la que narra la conflictiva llegada de una nave alienígena a nuestro planeta. Sin exagerar, Neill Blomkamp ha estado cerca de debutar con la mejor película de ciencia ficción desde ‘Blade Runner’.

La idea que Blomkamp dio al máximo responsable de la trilogía de ‘El señor de los anillos’ estaba en un cortometraje que realizó en el año 2005, titulado ‘Alive in Joburg’. En dicha obra, el director sudafricano planteaba una visión fantástica del apartheid. Simulando un reportaje televisivo, se nos mostraba cómo una raza alienígena había llegado a nuestro planeta, pero lejos de suponer una gran alegría o un terrible temor, la situación resultaba problemática, ya que no había sitio para acoger a los extraterrestres; la salida humana (nótese la ironía de esto) fue aislarlos en una zona apartada, donde malviven y son tratados como animales peligrosos.

El cortometraje destacaba por el planteamiento y también por la forma en la que Neill Blomkamp integraba los efectos especiales en lo que parecía ser una pieza informativa real cubierta por medios de comunicación reales y protagonizada por personajes reales (que intervenían hablando a la cámara). El realizador quiso explotar estos hallazgos y darle una nueva dimensión, alargando y mejorando el desarrollo de tan interesante punto de partida.

Y así llegamos a ‘District 9’, en la que se da esa misma situación ya expuesta, extendiéndola y aprovechando al máximo el formato cinematográfico, ofreciendo un espectáculo que deja sin aliento. En la ficción, una nave alienígena llegó a la Tierra hace dos décadas; en concreto, a Johannesburgo, en Sudáfrica. Lejos de lo que cabía suponer, no hay contacto ni ataque, el aparato en el que han llegado estos seres de otro planeta se mantiene flotando en el cielo, quieto, como si se hubiera apagado. Pronto se descubre que la situación de los extraterrestres es precaria, están hacinados en un vehículo muerto.

El primer paso es sacar a los extraños seres de la nave e instalarlos temporalmente en el Distrito 9 (a saber por qué no se ha traducido el título, no aciertan ni una), hasta que se decida qué hacer con ellos. La situación se vuelve rápidamente insostenible y se decide volver a situarlos a otra parte, a una especie de campo de concentración, más alejado de las personas, donde podrán estar mejor atendidos… en realidad, controlados. La operación, peligrosa, será llevada a cabo por una poderosa compañía llamada Multi-National United (MNU), más interesada en la impresionante tecnología y el armamento alienígena que en la seguridad y el trato digno a las criaturas (llamadas de forma despreciativa como “gambas”).

Neill Blomkamp se descubre como un narrador de un talento impresionante, mostrándonos con garra el caos que se produce en la zona cuando el inevitable fallo del control humano se produce, iniciándose una cadena de acontecimientos explosivos, de una gran carga dramática, perfectamente planificados y puestos en escena, resultando una película arrolladora, fresca y sumamente divertida. Tenemos el clásico desencuentro entre civilizaciones, la imposición de reglas por los más fuertes a los (aparentemente) más débiles, el dilema del comportamiento humano, las posibilidades de una ciencia superior a la nuestra… pero también hay espectaculares escenas de acción y unos personajes de carne y hueso (nominación al Oscar para Sharlto Copley, ya).

Como las grandes obras del género de ciencia ficción, ‘District 9’ nos hace reflexionar sobre las circunstancias de un escenario que parece real, de hecho, sacado de la realidad para llevarlo más lejos, que nos resulta cercano y posible, coherente aunque estemos viendo a enormes insectos inteligentes rebuscando en la basura y vistiendo harapos. Por cierto, si hubiera que darle una nota a los efectos visuales de la película no podría ser otra que la matrícula de honor, porque la manera en la que se logra situar a los alienígenas y su tecnología en nuestro mundo es totalmente alucinante.

Entonces, ¿dónde falla? En algo que no puedo/quiero escribir aquí, porque mi último deseo con este texto es arruinaros cualquier sorpresa (ya sabéis que en mis críticas intento no destripar nada relevante de la trama), pero os esperaré en los comentarios cuando la veáis, y la comentamos con spoilers y todo. Sólo os digo que el problema está en el punto de vista, y, un poco menos, en ciertos comportamientos y aspectos concretos del guión que no casan con el crudo y realista conjunto, siendo más propios del resto de películas que nos llegan, repletas de tópicos e incoherencias, inverosímiles.

Via BlogDeCine

Se dice que Steven Spilberg ( Director ), pago a Mehran Karimi Nasseri, hombre en quien esta basada la película 250.000$ por los derechos de la película, que es muy recomendable si lo que quieres es pasar un rato divertido, y a continuación, os relato la historia real:

Mhran Karimi Nasseri, Los ultimos 16 años en la vida de Mehran Karimi Nasseri son toda una historia. Calificado como el caso más extraño en la historia de la inmigración mundial, el nombre de Karimi ha estado en miles de articulos de periódicos, documentales de TV, ensayos universitarios y próximamente hasta en una película de Hollywood, y aún así sigue siendo increíble.

Es iraní, profesor de matemáticas de profesión y un gran conversador; se le puede encontrar en la terminal A del aereopuerto Charles de Gaulle, y no es que ahí trabaje; ahí vive. La razon que lo tiene en este lugar es una nunca registrada combinacion de muy mala suerte, burocracia europea y … un poco de locura.Resulta que Karimi o Sir Alfred -como le gusta que le llamen- era un opositor al gobierno iraní, fue expulsado de su país y en 1988 se dirigió con rumbo a Londres en busca de asilo político.

El vuelo a Londres hace escala en París, donde tiene que cambiar avión. En su corta estadía en el aereopuerto francés, alguien le roba todos sus documentos y lo deja sin pasaporte. Karimi decide tomar el vuelo a Londres e intentar explicar a las autoridades locales lo sucedido; sin embargo no tuvo éxito y fue deportado nuevamente a Francia. De regreso en Charles de Gaulle, las autoridades no lo dejan entrar a suelo francés y lo arrestan por entrar ilegal.

Por no tener documentos y ser un opositor del gobierno iraní, no puede ser deportado y es condenado a pasar el resto de sus años arrestado en el aereopuerto de París.No es difícil encotrar a Sir Alfred en la terminal A del aeropuerto galo; de hecho, es una persona con muchas amistades, no solo entre los empleados locales, sino también con viajeros frecuentes, periodistas, etc. Recibe diariamente cientos de cartas de amigos y desconocidos; las guarda casi todas y come todos los días en los restaurantes de comida rápida de la terminal.

Si quieres saber más: Wikipedia

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En unas horas se estrena en España la muy esperada ‘Enemigos públicos’ (‘Public Enemies’, 2009). Esperadísima por varias razones; en primer lugar, porque es la nueva película de Michael Mann, director de títulos tan memorables como ‘Heat’ o ‘El dilema’; esperada también porque está protagonizada por los carismáticos Johnny Depp y Christian Bale, entre otros, lo que a priori asegura buenas interpretaciones; igualmente, otro factor a considerar es la vuelta al cine negro y al retrato de un poderoso gángster al que nadie puede encerrar o liquidar. Todo esto unido a la escasez de películas realmente satisfactorias, otro año más, hacen de este estreno un plato prácticamente imprescindible.

Por eso, posiblemente, la decepción es tan grande. No sé en qué momento exacto, ni cuánto tiempo había pasado (una media hora, o quizá menos), pero tras intentar por todos los medios encontrar un sitio donde agarrarme, llegó un momento en que resoplé, me di por vencido y me solté de la pantalla, ya totalmente indiferente, y en mi cabeza se formó un pensamiento: “no me interesa nada de esto”. Michael Mann se ha equivocado al abordar la historia de John Dillinger. Exceptuando algunos fogonazos, de realizador experto y hábil, su película es fría, distante, incapaz de sacar todo el partido a un material fascinante.

Lo primero que vemos de ‘Enemigos públicos’ es una fecha: 1933. Se nos aclara que es el cuarto año de la Gran Depresión, “la mejor época para robar bancos”, según las declaraciones de John Dillinger y sus secuaces, protagonistas de la historia que se nos va a narrar a continuación. Acto seguido vemos una prisión y un coche que llega; baja Dillinger, apresado. Poco después ya tenemos la primera secuencia de acción de la película, con una fuga que no sale del todo bien y ruidosos disparos por todas partes. Los supervivientes escapan, y en escasos minutos Mann ya nos ha dejado las primeras pistas de lo que veremos durante el resto del metraje.

La secuencia inicial evidencia el principal interés del cineasta al llevar a cabo este retrato de unos hombres concretos en una época concreta. Michael Mann desea llevarnos a la década de los 30, pero no al estilo clásico, sino “realmente”, dando la impresión de que más que estar viendo “una de gángsteres”, estamos asistiendo a un espectacular documental moderno. Es como si Mann se hubiera llevado una cámara a los años treinta y grabase la acción tal como sucede, sin dramatismos, interpretaciones ni fotografía cinematográfica. El realizador vuelve a optar por el formato digital en alta definición, un formato al que recurrió por primera vez en ‘Collateral’, con magníficos resultados.

Dice Mann que hicieron pruebas en 35 mm., pero que parecía que iban a hacer una película de época, y eso no es lo que él quería; por el contrario, al ver las pruebas en alta definición, pensó que estaba viviendo en el mismo momento en el que transcurría la acción, y eso era justamente lo que buscaba, meter al público en la vida de Dillinger y sus perseguidores. Bien, en este aspecto, la película está lograda, los acontecimientos parecen reales y parece que hay un cámara invisible captando la realidad, el “presente”, pero esto queda en nada si lo que se cuenta no interesa, si los personajes hablan y no te importa lo que dicen, si hay acción, disparos y muertes, y no sabes del todo qué está pasando, ni quién la ha palmado, ni quien ha escapado, ni si eso es importante o no.

Antes de ver la película, entusiasmado por el tráiler, pensaba que Johnny Depp estaría genial como Dillinger y que posiblemente su nombre sonaría para el Oscar. Ya no. No es que Depp esté mal, al revés, se le ve muy natural, convincente, metido en el papel, no es ningún dibujo animado imitando a un temible, aunque atractivo, gángster; pero su trabajo queda diluido por el enfoque de Mann, preocupado más por la ambientación y el realismo que por los personajes. Así las cosas, este Dillinger es un criminal ingenioso, violento y prepotente, que sabe que necesita ganarse a la gente y a todos los amigos que pueda para poder escapar de la justicia… pero no es una figura tan fascinante como otros gángsteres retratados por el séptimo arte, como el Scarface de Paul Muni o el Cody Jarrett de James Cagney.

Christian Bale vuelve a demostrar su versatilidad con un personaje posiblemente más complicado que el de Depp, pues es el “bueno” que debe caer mal al público, que no quiere que acabe cazando al pistolero, al popular ladrón de bancos que respeta a la gente de a pie. Melvin Purvis parece un policía corriente, pero cuanto toca actuar se transforma en un letal perro de presa, que no se va a detener ante nada. En realidad no se diferencia mucho de Dillinger, son las dos caras de una misma moneda, dos tipos que hacen lo que saben y lo que pueden en una época muy dura y donde no hay lugar para los sueños, ni para los héroes. Uno eligió morir y matar por la justicia; el otro optó por robar bancos para vivir a lo grande, a su manera.

El de Dillinger y Purvis tendría que haber sido un duelo antológico en manos de Michael Mann, un dramático western gangsteril con robos, tiroteos y persecuciones que dejaran sin aliento. Los actores hacen su parte, el que los dirige no. Otro elemento que falla en la película es que, exceptuando a estos dos, el resto del reparto pasa muy desapercibido, resultando muy chocante ver a actores tan conocidos en papeles tan breves e insustanciales; Billy Crudup tiene un poco de suerte y le dejan un par de escenas con algo de contenido. Sí tiene más presencia en pantalla la francesa Marion Cotillard, que interpreta a la chica de Dillinger, pero ni el personaje está bien escrito ni la actriz logra, con el poco margen que le deja Mann, hacer algo destacable. Simplemente está ahí y el romance rutinario tiene lugar.

La apuesta del cineasta por un formato actual dota a ‘Enemigos públicos’ de un estilo diferente, pero el buen cine se caracteriza por buenas historias y buenos personajes; aquí pasan los minutos y no hay un drama que atrape, y tampoco ninguna gran secuencia de acción que se quede grabada en la retina. Mann se queda en la superficie, en rodar cine negro de otra forma, pero se olvida de lo más importante: narrar una historia que interese. Lo mejor: la presentación de Purvis (por supuesto, cazando), la fuga de Dillinger, y la secuencia en torno a ‘Manhattan Melodrama’ (curiosamente titulada aquí como ‘El enemigo público número uno’), lo más emocionante de una película que dura demasiado. Poco más destaca aquí; la impresionante ‘Camino a la perdición’, por poner un ejemplo reciente, la deja en pañales. Una gran oportunidad perdida.

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El 31 de julio se estrena ‘Up’, lo nuevo de Pixar. En este film de Pete Docter, Carl, viudo, solo y agobiado por una constructora que intenta echarlo de casa para edificar en su terreno, decide emprender el viaje con que él y su esposa siempre habían soñado. Este vendedor de globos retirado ideará un plan para poder llevar a cabo su aventura sin abandonar su hogar. Pero lo que no se podrá imaginar es que ese viaje contará con un pasajero sorpresa: un explorador de ocho años llamado Russell que necesita mucha atención.

En su preámbulo, ‘Up’ se remonta a la infancia de Carl para presentarte el día en el que conoció a su futura mujer. El club de aventureros, donde comenzaron a compartir aficiones, les unió de por vida. Cuando el film empieza a avanzar a velocidad de vértigo hasta la vejez de Carl, pasando por la boda y los momentos que pasaron juntos, da rabia que no sea la historia de ellos dos lo que se vaya a narrar con detenimiento. Habría sido divertido conocer mejor al personaje de Ellie, que parecía prometedor.

Estos minutos del inicio son lo mejor de la película, pero también suponen el momento en el que más se sufre. Por poco que sepas de la película –si has visto un tráiler, ya lo tienes claro— sabes que esta señora tiene que morir… sin embargo, el film te sigue enseñando esa felicidad. Se podría pensar que ‘Up’ es manipuladora, pues este prólogo está incluido en el film con la clara intención de que ese anciano cascarrabias caiga bien y provoque emociones y haga compartir sus sueños. Quizá no era necesario machacarnos tanto para que nos pusiésemos de su lado.

Pixar nos vuelve a regalar un juguete de colores y texturas maravillosos. Recuerdo un cuento ilustrado que tenía de pequeña, titulado ‘El viaje en globo de Guillermo’ (‘Bills ballonfahrt’), de Reiner Zimnik, cuyos dibujos y aventura me fascinaban; probablemente era mi cuento favorito. Así que no es difícil imaginar la emoción que sentí cuando vi, por primera vez, una imagen muy similar en el tráiler de ‘Up’. La casa elevada por esa cantidad de globos de tonalidades variadas me pareció mágica. El 3D no destaca tanto como en otros films, ya que en un principio, se había creado para 2D.

Lo que suele hacer únicas las películas de Pixar, aún por encima de sus espectaculares diseños, son sus personajes entrañable. Sin llegar a transmitir lo que los protagonistas de ‘Wall•e’, el pájaro y sus hijos, el perro que habla y el niño gordito son seres muy simpáticos. Los antagonistas son igualmente carismáticos y, si algo se puede reprochar con respecto a cómo se les ha tratado, SPOILER, es el excesivo castigo que sufrirán al final FIN DEL SPOILER.

Cuando tenemos una creación tan espléndida ante nuestros ojos, podo puede importarnos que lo que se nos cuenta sea convencional y previsible. Si bien la historia no es lo mejor de ‘Up’, lo que sí ofrece esta aventura es una gran cantidad de vueltas que hacen que nunca dejen de ocurrir cosas nuevas. Ese viaje sirve también para mostrarnos paisajes y mundos maravillosos.

‘Up’ es un film que empieza con unos minutos que se merecen un diez. Y eso juega en contra de la propia película, pues el no poder estar a la misma altura más adelante, impide que nos olvidemos de lo bien y mal que lo hemos pasado en el inicio y provoca que deseemos que todo fuese así. No obstante, el film en general es de una gran hermosura y emotividad.

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